蒙德里安，《黄昏的磨坊》，大约1907-1908年，布面油画，海牙艺术博物馆(贝耶勒基金会展览)
然后，蒙德里安发展了被称为“新雕塑”的非具象绘画，他认为这是创造普遍美感的必要条件。然而，蒙德里安不仅受到大自然的启发，还试图找出狐步舞和爵士乐的节奏。
1911年到达巴黎后，蒙德里安尝试并研究了立体派的绘画风格。他的作品影响了后来的色域绘画、抽象表现主义、极简主义等艺术形式，以及设计、建筑、时尚等其他领域。
蒙德里安，《树》，1912年，布面油画，斯图加特国家艺术收藏(贝耶勒基金会展览)
70多岁时，蒙德里安搬到了纽约，在那里他遇到了艺术家威廉德库宁()和李克拉斯纳()以及收藏家佩姬古根海姆()。
蒙德里安在画图标网格之前
蒙德里安出生于1872年3月7日，1919年后网格绘画开始有序化。这期间他的艺术有什么变化？贝耶勒的展览“蒙德里安的进化”试图回答这个问题。
该展览是贝耶勒基金会高级策展人UlfKster的心血之作，他为展览工作了三年。贝耶勒基金会有蒙德里安从1912年到1938年的7件作品，见证了风格的转变，成为这次展览的最初动力。
蒙德里安，《桉树》，1912年，布面油画，贝耶勒基金会收藏(贝耶勒基金会展览)
展出89件作品，其中82件是从世界各地的艺术机构和私人收藏家那里借来的。通过对不同时期作品的比较和延续，可以看出，1990年代之前的所有风俗画，令人瞠目的心灵象征主义作品，以及1911年后在巴黎创作的立体主义油画3354，都只是“新造型”作品的序曲。
蒙德里安，《红云》，1907年，布面油画，海牙艺术博物馆(贝耶勒基金会展览)
贝耶勒基金会的展览借鉴了蒙德里安对“进化”——的思考，积累经验，确立艺术发展的新阶段，进而引发进一步的洞见。
展览强调了艺术家风格的发展，重点关注他早期的风景以及他对自然世界的热爱如何演变为抽象。最早的作品之一是《拿着纱锭的女人》(约1893-1896)，描绘了一个室内场景，其侧面是《黑白双线构成》 (1934)，完成时被认为非常激进。蒙德里安把这幅作品给了得克萨斯的一个朋友，他在那里保存了很久时间，然后卖给了欧洲的私人收藏家。此次展览是该作品首次在欧洲展出。
蒙德里安，《拿着纱锭的女人》，约1893-1896年，布面油画，佩斯画廊提供(贝耶勒基金会展览)
055-79000之所以如此激进，是因为它在无色中显示出纯结构。如果你将这幅画与早期的室内场景进行比较，你会发现早在1893年，蒙德里安就对绘画的构图产生了兴趣，网格已经爬到了画面的背景。当然，1893年的蒙德里安并不知道他会成为一名抽象画家。这两幅作品并排展示，可见蒙德里安对绘画构图的兴趣，而且从一开始就以长方形为基础。
蒙德里安，《黑白双线构成》，1934年，布面油画，瑞士私人收藏(贝耶勒基金会展览)
另一对组合是《黑白双线构成》(，1908)和《欧勒附近的树林》(，1941)。《纽约城一号》描绘夕阳下的森林，更大的尺度蕴含着广阔的空间。仔细看，你会发现油画颜料又薄又平。这幅作品展示了蒙德里安是如何控制空间的，而由油画颜料和纸构成的《欧勒附近的树林》更形象地展示了空间与平面的关系。
蒙德里安，《纽约城一号》，1908年，布面油画，海牙艺术博物馆(贝耶勒基金会展览)
“蒙德里安的画是一个介于直觉和准确之间的长期思考过程的结果，也是个人不断研究的结果。”索尼娅布拉加在《欧勒附近的树林》()上写道，“蒙德里安认为抽象是一个接近真实和绝对美的过程，这是他作为艺术家的首要愿景。”
蒙德里安，《意大利建筑文摘》，1941年，油画和布面纸，杜塞尔多夫艺术收藏，德国(贝耶勒基金会展览)
蒙德里安作品的多感官体验
蒙德里安的三原色格子画一般被认为是静态的、严谨的、没有感情的。但海牙艺术博物馆“移动的蒙德里安”(Moving mondriaan)()策展人卡洛韦尔比克(Carlo Verbik)认为，蒙德里安所追求的恰恰相反。他追求一种动态的感官体验来引发精神上的兴奋。
海牙艺术博物馆有超过300件蒙德里安的作品，蒙德里安的所有作品都在2017年的大型回顾展中首次展出。本次展览的重点是探索蒙德里安作为灵感来源的作用，他与朋友和当代艺术家的鼓舞人心的关系，以及蒙德里安后来艺术家的灵感。
在海牙美术馆的“感动蒙德里安”展览现场，蒙德里安的作品与当代艺术家的作品结合在一起。
“你可以说蒙德里安甚至不是视觉艺术家，而是作曲家。他一直在寻找平衡。——视觉艺术只是通往作品背后无形事物的敲门砖。”
贝耶勒基金会“蒙德里安的进化”策展人库斯特也认为蒙德里安是一个充满感情的人。一些最初的批评家认为他对三原色的激进使用是一种疯狂的表达。“他们说，‘那个人肯定有精神病。’"
库斯特说，蒙德里安是美国爵士乐的爱好者。他为参观他工作室的朋友演奏爵士乐，他还参加了约瑟芬贝克在巴黎的舞蹈表演。纽约和蒙德里安的当代艺术家LeeKrasner也回忆说，“和他跳舞很难，因为他总是创造新的舞步。”
蒙德里安，《纽约城一号》，1920年，布面油画，泰特美术馆，英国(贝耶勒基金会展览)
而且，韦尔比克的研究发现，蒙德里安也对早期的电子音乐很着迷。
1921年，当未来主义艺术家Luigi Gill Solo在巴黎展示了世界上第一台名为“Intonarumori”的噪音机器时，mondriaan写信给他的朋友说，他也想制造一种电子音乐设备。他打算做一个融合了噪音、音乐和彩色投影的艺术作品，并在理论著作中详细描述了这个项目，但并没有真正实现。
海牙美术馆“移动的蒙德里安”展览现场
“移动的蒙德里安”中展示了蒙德里安早期声音机器的复制品。策展人还委托荷兰艺术家Techno Music(一种节奏很快的电子舞曲，通常没有演唱)根据蒙德里安的音乐理念创作了一个新作品，这是一组类似机械噪音的抽象声音。
蒙德里安，《No.6/构成II》，1933年，布面油画，海牙艺术博物馆(海牙艺术博物馆展览)
1922年，蒙德里安在文章《四条黄线的菱形构成》中寻找声音和颜色的直接关系。他提出了一个理论，每种原色可以代表一个音符，而画布上的白、灰、黑空间可以代表其他种类的噪音。韦尔比克认为，观众可以“听到”蒙德里安在格子画中思考颜色。
蒙德里安，《新造型主义：在音乐和未来戏剧中的实现》，1938年，布面油画，贝耶勒基金会收藏(贝耶勒基金会展览)
“感动蒙德里安”鼓励参观者从感官的角度去感受蒙德里安的作品。展览还与香水商合作，蒙德里安在巴黎、伦敦、海牙和纽约的工作室模特在展厅被赋予了不同的香味。例如，巴黎闻起来像炉子里的煤，而纽约闻起来更香。Kuster对Verbik策划的展览大加赞赏，认为其对mondriaan的诠释“令人耳目一新”。
1926年，蒙德里安巴黎启程街工作室。
感官体验关注，与蒙德里安长期坚持见神论有关，这是一种通过自然寻求“宇宙和谐”的神秘观念。蒙德里安希望“在观众和艺术品之间创造一个精神空间。”库斯特说，他把抽象视为“一种获得神圣真理的冥想形式”。
蒙德里安的作品有各种开放的解释，这是由于艺术家不断重塑自我，探索不同领域的经验：这种不停滞也是他们保持吸引力的原因。
“我仍然认为他是一个视觉艺术家，但人们应该重新定义视觉艺术家的含义。”库斯特补充道，“他的艺术体验不仅限于他的眼睛。”
蒙德里安，《八条线红色矩形的菱形构成》，1944年，布面油画，海牙艺术博物馆(海牙艺术博物馆展览)
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